88 éves korában elhunyt David Hockney brit festő, aki forradalmi szemléletmódjával új távlatokat nyitott a 20. és 21. századi művészetben. Távozásával a kortárs képzőművészet egyik legsokoldalúbb, legbátrabb és legnagyobb hatású alakját veszítette el. Hockney életműve bizonyíték arra, hogy a figuratív ábrázolás és a folyamatos technológiai kísérletezés nemhogy kizárják, de lényegileg feltételezik egymást.

Hockney a lendületes 1960-as években, a pop-art hullámának élvonalában tett szert nemzetközi hírnévre.

Legismertebbé talán azok a medencés festményei váltak, amelyek alapjaiban járultak hozzá a sajátos Los Angeles-i vizuális esztétika kialakításához. Miután a hatvanas évek közepén Kaliforniába költözött, művészete érettebbé és visszafogottabbá vált, miközben lenyűgöző pontossággal közvetített mély és összetett érzelmeket a vászonra.

Olyan ikonikus remekművei, mint az A Bigger Splash és a Portrait of an Artist (Pool With Two Figures) a város szikrázó égboltja alatt zajló, egyszerre hedonista és melankolikus szerelmi, vágyakozási és veszteségi jeleneteket örökítettek meg.

Utóbbi alkotása, amelyet saját szerelmi szakítása ihletett, valóságos mestermű: 2018 novemberében a Christie’s aukcióján 90,3 millió dollárért (27,9 milliárd forint) kelt el, ami akkoriban világrekordot jelentett egy élő művész esetében. Hockney képes volt arra, ami csak a legnagyobbaknak adatik meg: megfestette a csendet és a felszín alatti feszültséget.

A kaliforniai flâneur csillogó imázsa mögött azonban egy ízig-vérig észak-angliai alkotó rejlett. Hockney 1937-ben született a yorkshire-i Bradfordban, egy általa „radikális munkáscsaládként” jellemzett, ötgyermekes háztartás negyedik gyermekeként. Szülei szerencsére korán felismerték és támogatták fiuk művészi ambícióit. Első sikerét korán elérte: a Bradford College diákjaként az apjáról készített portréját 1957-ben 10 fontért adta el a Yorkshire-i Művészek Kiállításán.

Lelkiismereti okokból megtagadta a katonai szolgálatot, így két évig kórházi segédként dolgozott, mielőtt 1959-ben beiratkozott a londoni Royal College of Art-ra. Az intézményben gyorsan híre ment egyedülálló tehetségének és konok, lázadó természetének. Diploma megszerzése majdnem meghiúsult, amikor megtagadta az élő modell utáni rajzolást, és vizsgamunkaként fanyar iróniával egy amerikai testépítő magazinból kimásolt izmos férfi alakot nyújtott be. Amikor az elméleti esszé megírását is elutasította – kijelentve, hogy egy művészt kizárólag a művei alapján szabad megítélni –, a főiskola, felismerve zsenialitását és megérezve a jövőbeni nagyságot, inkább saját szabályait hajlította meg, hogy diplomát adhasson neki.

Ez a kompromisszumot nem ismerő attitűd jellemezte egész pályáját, mellyel bátran szállt szembe a korabeli konzervatív társadalmi normákkal. Koraérett művészi hitvallása nem ismert tabukat. Már 1961-es, Walt Whitman verséről elnevezett We Two Boys Together Clinging című festménye nyíltan jelezte bátor témaválasztását. Az ezt követő, 1962-es Cleaning Teeth, Early Evening (10pm) W11 című, fallikus Colgate tubusokat és láncokat ábrázoló műve olyan nyers őszinteséggel és természetességgel mutatta be a homoszexuális identitást és a meleg életet, amely szinte sokkolóan hatott abban a Nagy-Britanniában, ahol a homoszexualitás 1967-ig törvénybe ütköző bűncselekménynek számított.

Jellegzetes, hidrogénezett szőke hajával, vastag, kerek keretes szemüvegével és a szája sarkában parázsló cigarettájával Hockney a hatvanas évek londoni és kaliforniai underground művészvilágának megkerülhetetlen, karizmatikus figurájává vált. Olyan nagyságokkal bulizott és élt társasági életet, mint Andy Warhol, Ossie Clark vagy Dennis Hopper. Ám miközben látszólag a flâneurök és playboyok gondtalan életét élte, soha nem veszítette el otthonról hozott, szigorú yorkshire-i munkamorálját. A munka iránti alázata élete végéig elkísérte: még a 2012-es stroke-ja után is, amely átmenetileg beszédnehézségeket okozott nála, szinte azonnal visszatért a műterembe és folytatta az alkotást.

Hockney hat évtizedes karrierjét nem lehet egyetlen korszakkal vagy stílusirányzattal meghatározni; folyamatosan tágította a vizuális ábrázolás határait. Egy kaliforniai munkafázis során, referenciaképek készítése közben, Polaroid-kamerájával véletlenül fedezte fel a fotókollázsok világát. Az általa „joiners”-nek nevezett technikával, több fénykép egymás mellé és fölé helyezésével játszott a perspektívával, lebontva a hagyományos, egypontos térábrázolást.

Édesanyjáról vagy a neves brit műkereskedőről, John Kasminról készített kollázsportréi erős kubista hatást mutattak, nem véletlenül kezdték el a kritikusok legnagyobb példaképével, Pablo Picassóval egy lapon említeni. Később az absztrakt tájfestészetben is kamatoztatta ezt a többnézőpontú látásmódot.

Későbbi éveiben az opera- és balettdíszletek, illetve jelmezek tervezése mellett a legújabb technológiai vívmányok felé fordult. Lenyűgözte minden, ami új: sorra építette be művészetébe a fénymásolót, a faxot, a digitális nyomtatókat, a 3D-technológiát, majd legutóbb az iPadet. Utóbbival digitális festmények százait készítette el, amelyeket azonnal elküldött e-mailben a barátainak és ismerőseinek. De ez a technológiai kíváncsiság mindig egy tőről fakadt: „Engem valójában csak az a technológia érdekel, amely a képekkel kapcsolatos” … „Bármi érdekel, ami képet hoz létre” – nyilatkozta.

Egész életében büszke és rendíthetetlen nonkonformista maradt. Állítólag több alkalommal is visszautasította a brit lovagi címet, és kosarat adott a Buckingham-palotának is, amikor felkérték a királynő hivatalos portréjának megfestésére.

Elméleti munkásságával is vihart kavart: 2001-ben megjelent Titkos tudás: a régi mesterek elveszett technikáinak újrafelfedezése (Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters) című könyvében azt állította, hogy a múlt nagy művészei már a reneszánsztól kezdve optikai eszközöket (lencséket, camera obscurát) használtak a tökéletes realizmus eléréséhez. Ezzel megkérdőjelezte a művészettörténet számos bevett dogmáját, ami egyszerre dühítette fel és nyűgözte le a szakmát.

Élete utolsó két évtizedét beárnyékolták személyes tragédiák és harcok is. Bár 2005-ben Los Angelesből visszaköltözött Yorkshire-be, 2013-ban mély egzisztenciális válságba sodorta 23 éves asszisztense, Dominic Elliott tragikus halála bridlingtoni otthonában. A fiatalember kábítószer-fogyasztást követően háztartási lefolyótisztítót ivott, és a halottkém balesetet állapított meg. A gyász és a sokk hatására Hockney egy időre teljesen letette az ecsetet, úgy érezve, Elliott halála után képtelen alkotni.

Mindemellett szenvedélyes láncdohányosként egész életében harcolt a személyes szabadságért; szentül hitte, hogy a cigaretta jót tett a mentális egészségének. 2007-ben a brit dohányzási tilalmat „a társadalomformálás leggroteszkebb példájának” nevezte.

„Az embereket rajzolni tanítani azt jelenti, hogy megtanítjuk őket nézni”

– nyilatkozta a Yorkshire Postnak 2018-ban. David Hockney távozásával egy korszak zárult le. Művészete alapjaiban változtatta meg azt, ahogyan a 20. és 21. századi vizuális kultúrára és a bennünket körülvevő világra tekintünk. Bár ő maga, a tőle megszokott szikár munkáscsaládi szerénységgel és iróniával valószínűleg tiltakozna a grandiózus jelzők ellen, a vásznain megörökített fény, a kaliforniai medencék csobbanása és a yorkshire-i tájak vibráló színei örökké hirdetni fogják halhatatlanságát.

Forrás: Guardian

---

Borítókép: Fotó: ARNE DEDERT / dpa Picture-Alliance via AFP